En la actualidad nadie puede dudar del talento del visionario Tim Burton, es por esto que Disney lo ha contratado para uno de los proyectos más importantes con los que se ha comprometido. Es que la tarea no es fácil, ya que estamos hablando de recrear y continuar la historia que logro llegar en gran manera a varias generaciones, y aun hoy es un referente de la cinematografía y la literatura infantil.

Es por esto que el trabajo de la banda sonora no es menor y la única manera de lograr la excelencia esperada es con la ayuda de artistas de primer nivel.

La lista de los intérpretes esta compuesta nada menos que por nombre como Robert Smith que mencionábamos actualmente es el líder de la banda gótica The Cure, además contara con la participación de Avril Lavinge interpretando otro single. Otro presencia que cabe destacar es la de Mark Hoppus vocalista de Blink 182, Franz Ferdinand, Pete Wentz de la banda Fall Out Boy y Wolfmother entre otros.

La lista de canciones que componen el SoundTrack titulado “Almost Alice” que será lanzado a la venta el 2 de marzo, unos días antes del estreno mundial de la película en 3D es la siguiente:

1. “Alice (Underground)”- Avril Lavigne
2. “The Poison”-The All-American Rejects
3. “The Technicolor Phase”-Owl City
4. “Her Name Is Alice”-Shinedown
5. “Painting Flowers”-All Time Low
6. “Where’s My Angel”-Metro Station
7. “Strange”-Tokio Hotel y Kerli
8. “Follow Me Down”-3OH!3 con Neon Hitch
9. “Very Good Advice”-Robert Smith
10. “In Transit”-Mark Hoppus y Pete Wentz
11. “Welcome to Mystery”-Plain White T’s
12. “Tea Party”-Kerli
13. “The Lobster Quadrille”-Franz Ferdinand
14. “Running Out of Time”-Motion City Soundtrack
15. “Fell Down a Hole”-Wolfmother
16. “White Rabbit”-Grace Potter and The Nocturnals.

La cinta se estrenó en el Festival de Sundance de 2009 y se estrenará el 29 de julio en Estados Unidos.

Frecuentemente encontramos joyas musicales en la forma de soundtracks de cintas independientes, como ésta. Se reunieron temas de Christopher Lennertz como parte del score del filme y se incluyeron en la edición de la banda sonora.

El resto de las colaboraciones corren por cuenta de Lucy Schwartz con su tema “Gone Away” que también aparece en el material musical del show Private Practice. Gone Away es un tema interpretado principalmente con un piano y con la melancólica voz de Schwartz.

Y en general sobre este estilo, entre acústico y melancólico es que se desarrolla todo el disco. Sin embargo, lejos de aburrir, relaja, entretiene e incluso llega a motivar. La mayoría de las canciones son una muestra de excelente trabajo musical, de calidad y con muchos recursos.

“Someone Else’s Life” de Joshua Radin, cantautor folk, también hace acto de presencia. Radin ha sido muy solicitado en Hollywood y es gratificante poder escucharlo en su mejor momento. Este bien podría ser uno de sus mejores temas.

The Weepies, agrupación pop folk independiente son parte de la cultura pop vía los shows de televisión Gossip Girl, How I Met  Your Mother, Greek, Grey’s Anatomy, Everwood, One Tree Hill, entre otros. “Can’t Go Back Now”, su canción más conocida, fue parte de la campaña presidencial de Barack Obama en el 2008. En esta ocasión, permiten darle una nueva dimensión a este tema, lejos de la influencia de la política e inmersos en una historia sobre un hombre que lucha por su felicidad a pesar de sus limitaciones, cómo dice la canción “al final, los únicos pasos que importan son esos que tomas por ti mismo”.

Y así transcurre este material, que también incluye a Miranda Lee Richards, The Hiders y The Alexandria Quartet.

1. Bob Dylan – Beyond Here Lies Nothin’. El rockero nos presenta el primer sencillo de su disco “Together Through Life” que podemos encontrar para descargar en su página oficial, claro que tiene un costo, pero mínimo podemos disfrutar de una muy buena canción como ésta.
2. Lily Allen – Womanizer. Esta canción de la rockera es un cover del sencillo de Britney Spears. La propuesta es buena y refrescante. Allen se acaba de convertir en la nueva imagen de Coco Chanel. También tiene un cover de "Everybody’s Changing" de Keane.
3. Snoop Dog – Snoop Dogg Millonaire. Es en parte una parodia de la cinta “Slumdog Millionaire” en dónde el rapero se presenta con Tanvi Shah en un tema lleno de mezclas que van desde el clásico beat del hip hop hasta la música tradicional de la India.
4. Yeah Yeah Yeahs – Zero. Este tema fue utilizado en el show Gossip Girl en varios episodios. Esta banda de rock indie de Nueva York tiene 4 discos de estudio. Zero estpa incluido en su más reciente propuesta “It’s Blitz!” que se lanzó este año.
5. Amanda Palmer – Creep. Sabemos que la música de Radiohead tiene otro concepto muy diferente al de las grandes compañías disqueras. En ese espíritu, Amanda Palmer, con su estilo punk, rock, alternativo y piano rock nos presenta su rendición de este cover de la banda inglesa.
6. Raveonettes, The | Come On Santa. Ya habíamos reseñado esta banda danesa. En este link también pueden escuchar Last Dance, de su nuevo álbum “In and Out of Control”.
7. M.I.A.- Paper Planes (For The Children By Adrock rmx) – Esta canción de hip hop se ubicó en las lista de popularidad porque apareció en algunos promocionales de la cinta Pineapple Express  y Slumdog Millionaire. Incluso recibió una nominación por grabación del año para los Grammy de 2009.
8. Kooks, The | Tick of Time. Esta banda inglesa de rock indie tomó el nombre de la conocida canción de David Bowie. Esta rola “Tick of Time” viene incluida en su segundo álbum “Konk” y termina con un minuto de silencio.
9. Mexican Institute of Sound – Alocatel – Es una propuesta electrónica del proyecto creado por el DJ Camilo Lara. También conocidos como Instituto Mexicano del Sonido, sus trabajos han aparecido en series como Ugly Betty, Californication, y en la campaña de publicidad del videojuego FIFA 2008.
10.  Kid CuDi – I Poke Her Face- Originalmente se llamó así, aunque cambió a Make Her Say, en dónde utilizan parte de la canción de Lady Gaga “Poker face”, para hacer un juego de palabras.  El rapero participó con Kanye West y Common.

Con 20 años de experiencia en el mundo de la música rock alternativa mexicana, la banda está conformada por Rubén Albarrán, vocalista y guitarra, Meme del Real en los teclados, la guitarra y vocales, José Alfredo Rangel en la guitarra y Enrique Rangel en el bajo.  También aparecen Alejandro Flores, en el violín y Luis Ledezma en la batería durante los eventos en vivo.

Tomaron el nombre de una cafetería ubicada en el Centro Histórico de la Ciudad de México, en dónde se formaron todos, y cómo existía la posibilidad de tener broncas por derechos de autor por el nombre, le cambiaron la “u” de Tacuba por una “v” y así nació una de las más creativas y productivas agrupaciones de la música en habla hispana.

Una de las peculiaridades es que su vocalista, Rubén, se ha cambiado el nombre artístico por lo menos 15 veces: "Juan", "Pinche Juan", "Cosme", "Masiosare", "Anónimo", "Nrü", "Amparo Tonto Medardo In Lak’ech" ó "At Medardo ILK", "G3", "Gallo Gasss", "Élfego Buendía", "Rita Cantalagua", "Sizu Yantra", "Ixaya Mazatzin Tleyótl" , "Ixxi Xoo" y "Cone Cahuitl"; nombres con evidente influencia indígena, que contribuyen a destacar la filosofía del conjunto.

Tiene una decena de discos de estudio, entre los que destacan “RE”, “Revés/Yo Soy” y su “MTV Unplugged” que muestran su evolución como artistas además de la integración de diferentes estilos e instrumentos musicales, como trompetas, flautas, violines, cellos, y mezclas electrónicas.

Su estilo de rock está directamente influenciado por lo urbano, como se puede mostrar en la mayoría de sus videos como “Chilanga Banda”, o “Eres” en dónde retratan la realidad de los habitantes de las urbes como la Ciudad de México, dejando un poco de lado a las clases altas, y enfocándose en la gente promedio, de las clases medias y bajas.

Son un ejemplo de hermandad artística, ya que han participado con muchos compañeros músicos en conciertos y eventos públicos, siendo el más reciente la aparición de Rubén con los San Pascualito Rey, Ritmo Peligroso y Austin TV en el Vive Latino 2009.

Han participado en las bandas sonoras de algunas de las mejores cintas de manufactura mexicana como “Y Tú Mamá También” y “Amores Perros” además de en los tributos a José José, Los Tigres del Norte y Tin Tan.

1) “La ingrata” se desprende de su segundo disco “RE” con la cual se han dado a conocer por todo el mundo. Otras canciones de este trabajo son “Las Flores” y “El Baile y Salón”.

Se liberaron dos CD’s con música de la taquillera película. El primero es un álbum, que conforma lo que conocemos como el soundtrack de un filme. Este incluye aportaciones de Linkin Park, con su New Divide, que es el tema principal de la historia y cuyo video ya se encuentra en rotación continua en los canales de música de televisión.

Este es el tema que se puede escuchar en algunas versiones del trailer promocional y que sienta las bases para la historia, llena de acción y tensión durante las dos horas de duración, en dónde las explosiones, las persecuciones y los efectos especiales se hacen presentes.

La fórmula es bien conocida: autos, mujeres hermosas y rock. Y es básicamente lo que se aplica en esta secuela. No es raro que la banda sonora sea diferente. Contiene rolas de muchas bandas icónicas en Estados Unidos, con un estilo rock, punk y alternativo muy marcado.

Incluye 21 Guns, de Green Day que sería la segunda pieza principal y en la que más se puede escuchar en el filme. La acompañan, Let It Go de Cavo, Burn It To The Ground de Nickelback entre otros.

También podemos encontrar a Real World de The All-American Rejects, I Don’t Think I Love You de Hoobastank y Almost Easy de Avenged Sevenfold, así como un remix titulado Transformers de la banda clásica Cheap Trick. Ninguna de estas canciones pueden escucharse durante la proyección pero son altamente recomendables para cualquier fanático, o para aquellos que quieran una buena colección que muestre piezas de algunas de las mejores bandas de rock actualmente.

El segundo disco, los cuales se venden por separado, contiene el score, la música que podemos escuchar en la cinta y que contribuye directamente para acentuar la trama. Este fue compuesto por Steve Jablonsky – quién tiene amplia experiencia componiendo para filmes de acción – y contiene 14 piezas evidentemente energizantes.

Aún las baladas más tranquilas tienen crescendos que las hacen emocionantes. Jablonsky juega con pedazos de la canción New Divide y del tema No Sacrifice, No Victory que apareciera en la primera cinta.

Pero ¿qué tiene que ver el video con la canción? Es una secuencia de imágenes que no sabemos que nos quieren decir. Confieso que no soy muy fan de arte visual conceptual, pero creo que esto excede los límites y de hecho, al analizar la grabación, nos hace reír.

Ese mundo lúdico en el que está inmersa Tyler, comienza al interior de una mansión en dónde está la cantante en un cuarto blanco y mirando hacia la ventana, cual damisela esperando a su príncipe. Hasta aquí todo bien, dentro del cliché de los videos por norma general.

Pero luego entre un joven con corte de cabello de bacinica, que mira a la cámara y, Wow! ¡tiene los ojos azules! no me refiere al color de su iris, sino que que sus ojos brillan en la oscuridad, cual “niño del maíz”. Luego vemos a Bonnie pasear por un corredor, y vemos imágenes de más jóvenes de corbata y camisa blanca desabrochada sentados en sus pupitres.

Justo cuando canta el coro y menciona “I get a little bit angry and I know I’ve got to get out and cry…” aparece un niño con una paloma blanca que levanta el vuelo. Y es aquí en dónde todo se vuelve raro. Siguen escenas de los mismos jóvenes que están vestidos con traje de baño y googles y a quiénes les arrojan una cubetada de agua. Y entonces salen en escena los ninjas bailarines, hombres en trajes de esgrima que sacan cubetadas de agua ( o ¿sudor?) debajo de sus máscaras, y un coro de “niños del maíz” cuyo líder vuela hacia la cantante (suspendido de un arnés que es más que obvio), y entonces la rodea un grupo de bailarines semi desnudos y rodos entonan el tema.

Al final, parece que Tyler en realidad era la directora de una escuela y saluda a uno de los muchachos que la mira con esos ojos azules brillantes, similares a los de una lámpara Jack- O- Lantern, de Halloween.

En realidad, si lo analizan el video está lleno de situaciones similares que poco tienen que ver con el tema que trata la canción. Mejor se los dejo para que lo chequen por ustedes.

Hey Jude se estrena con Apple Records.

Se convirtió en el primer sencillo lanzado por el sello discográfico de la banda, Apple Records, en el lado B del álbum “Revolution”, lanzado en agosto de 1968, a pocas semanas de haberlo grabado en los estudios Trident, en Londres.

Esta acreditada a la autoría de Lennon/McCartney y fue producida por George Martin. El contexto que rodea la canción está lleno de especulaciones. Pero la mayoría de las historias, aunque no están del todo confirmadas, coinciden en lo siguiente.

Una visita.

Lennon se estaba separando de Cynthia Powell, su primera esposa durante 1968, debido a la relación que sostenía con Yoko Ono. Paul McCartney visitó a Powell y a su hijo Julian, primogénito de John y a quién su padre le apodaba JCJ (John Charles Julian), nombrado así en honor a su abuela paterna, Julia.

Durante esta visita, Paul intentó consolar al pequeño entonando Hey Jules, no lo tomes a mal, toma una triste canción y hazla mejor, a manera de explicarle que podía lidiar con lo que le estaba ocurriendo: McCartney ha declarado que

Julian descubrió que la canción estaba dedicada a él, casi 20 años después de su lanzamiento, a lo que simplemente confesó “Paul y yo solíamos pasar más tiempo juntos – más que mi papá y yo. Teníamos una gran amistad y creo que hay más fotos de Paul y yo jugando juntos que de las que hay entre mi padre y yo”,según publicó Craig Cross en su libro “The Beatles”.

Jude ve a Lucy en las estrellas

De niño, Julian inspiró a su padre para escribir la polémica “Lucy in the Sky with Diamonds”, luego de que le enseñara una acuarela pintada por él, en dónde aparecía una niña, llamada Lucy en honor a una compañera de su escuela, rodeada de estrellas. Según John, este dibujo fue la base para componer las letras de dicho tema, aún cuando muchos lo acusaron de manejar subliminalmente un mensaje en favor de las drogas, en este caso de LSD (L=Lucy, S=Sky, D=Diamonds).

La otra teoría

Otras personas, entre ellas el mismo John, afirman que la canción habla sobre su relación con Paul. Lennon declaró en una entrevista con David Sheff, que “(Paul) estaba diciendo, hey Jude – Hey John. Sé que sueno como uno de esos fans que interpretan cosas demás de los hechos, pero pueden escucharla como una canción sobre mí… Inconscientemente me está diciendo, adelante sigue tu camino”.

Otros le adjudican la canción al teman de la separación entre McCartney y Jane Asher. Sea como fuere, Paul cambió Jules por Jude – debido a la facilidad al cantar la palabra – y la tocó ante amigos y músicos, sentado en el piano, anunciándoles a los presentes en el estudio “Oigan amigos, escuchen esto”. Lo demás, es historia.

El Beat

Las letras y la melodía combinadas apelan directamente a la emoción. A las ganas de superación. Es una balada melancólica que te llena de esperanza conforme te atrapa la cadencia de los acordes principales: Fa, Do y Si sostenido, y te permite perderte en el coro de voces mezcladas entre Na, na, na , na, na, na, na, na!, Jude, Jude, Jude Jude!.

Otras versiones

Inicialmente se grabaron en una pista de 4 tracks algunos de los 25 ensayos realizados en los estudios de Abbey Road, entre el 29 y el 30 de julio de las cuales, solo una toma está disponible en el CD “Anthology”.

Lo más divertido, según reportes de los mismos músicos, fue la grabación de la toma final, llena de anécdotas. Se trasladaron al estudio Trident para poder aprovechar de su ambiente relajado y su grabadora de 8 tracks, el 31 de julio. Primero, trabajaron sobre la pista maestra, que solo les tomó 4 intentos.

Luego enlistaron la ayuda de una orquesta de 36 músicos entre violinistas, clarinetes, bajos, trompetas, trombones, cornetas y otros instrumentos de viento, cuerda  y percusión dirigidos por George Martin. Se les pidió que aplaudieran en un momento de la grabación, a lo que todos menos uno accedieron – luego de negociar doble pago-

Ringo Starr casi se pierde de su solo de batería, de la toma que quedó al final. Según datos proporcionados por McCartney en 1994 en una entrevista, Starr pasó detrás  de él durante la grabación, sin que nadie lo notará en el momento en que el resto del cuarteto comenzó a tocar. Y gracias a que en la canción, las percusiones llegan hasta después de la mitad de la canción, Ringo alcanzó a pasar de puntitas hasta su lugar, y llegó a tiempo para realizar su solo de manera impecable.

Letras

Hey Jude, don´t make it bad

Take a sad song and make it better

Remember to let her into your heart

Then you can start to make it better

Hey Jude, don´t be afraid

You were made to go out and get her

The minute you let her under your skin

The you begin to make it better

And anytime you feel the pain

Hey Jude refrain

Don´t carry the world upon your shoulders

For well you know that it´s a fool

Who plays it cool

By making his world a little colder

Na na na na na

Na na na na

Hey Jude don´t let me down

You have found her, now go and get her

Remember to let get into your heart

Then you can start to make it better

So let it out and let it in

Hey Jude begin

You´re waiting for someone to perform with

And don´t you know that it´s just you

Hey Jude, you´ll do

The movement you need is on your shoulder

Na na na na na

Na na na na yeah

Hey Jude

Hey Jude, don´t make it bad

Take a sad song and make it better

Remember to let her under your skin

Then you can begin to make it better

Better, better, better, better, better, oh

Na, na na na na na na

Na na na na, hey Jude

Na, na na na na na na

Na na na na, hey Jude

Na, na na na na na na

Na na na na, hey Jude

Traducción:

Oye, Jude, no lo tomes a mal

Toma una canción triste y mejórala

Recuerda dejarla entrar en tu corazón

Sólo así podrán mejorar las cosas

Oye, Jude, no tengas miedo

Naciste para hacerla tuya

El minuto que la dejes meterse bajo tu piel

Empezarán a resultar las cosas

Y cada vez que sientas dolor

Oye, Jude, desiste

No cargues con el mundo sobre tus hombros

Porque sabes muy bien que es de tontos

Hacerse el frío

Haciendo su mundo un poco más helado

Oye, Jude, no me decepciones

Ya la has encontrado, hazla tuya

Recuerda, oye, Jude, dejarla entrar en tu corazón

Sólo así podrán mejorar las cosas

Así pues, déjala salir y entrar

Oye, Jude, comienza

Estás buscando a alguien con quien tocarla

¿y no sabes que eres justo tú ?

Oye, Jude, tú serás suficiente

El movimiento comienza en tus hombros

Resaltamos su nombre, pues Rhaman ha sido nombrado como el “Mozart de Madrás”, según la revista Time de Estados Unidos, debido a su impresionante talento para componer música, sobre todo para acompañar a varias películas. Y es considerado como uno de las 100 personas con mayor influencia en el mundo.

Rhaman es signo de calidad. Y es precisamente la manera en la que podemos resumir este trabajo: una producción discográfica de calidad. Contiene un mezcla sonora integral, llena de instrumentos que van desde los clásicos de orquesta con sonidos de la llamada “vieja India”. Es una combinación perfecta entre el viejo y el nuevo mundo, que encuentran un perfecto balance en sus melodías, las cuales transportan a quiénes las escuchan, a lugares mágicos, como en la película.

La música es un protagonista más, no es un complemento. Es más que eso. Es el hilo conductor. Es parte del diálogo – a momentos tácito – entre los actores. Es parte de la fuerza interpretativa. }

Los temas “Jai Ho” y “O Saya” fueron interpretadas en vivo en la ceremonia de los Oscar del 2008 y la primera se alzó con el premio por la mejor composición original para un filme en ese año. Contiene algunos versos en español, además de hindi, urdu y punjabi y según su autor, significa “Que seas victorioso” y por eso contiene tantas mezclas, pues es su visión del mundo celebrando una victoria.

El grupo Pussycat Dolls, realizó una versión con letras en inglés y en una clave diferente, también producida por A.R. Rhaman y Ron Fair, que lleva por nombre “Jai Ho! (You are my destiny)”.

Este es un trabajo, altamente recomendable, que debe ser escuchado al menos una vez, para poder comprender la importante adición que representa en el mundo musical.

La letras, refieren a las emociones que nos evoca la persona que nos gusta. Pero sobretodo, nos recuerda una época dorada para la música pop, en dónde reinaban Michael Jackson y Madonna.

El sencillo se lanzó en 1982 y llegó al pico de las lista Billboard, cómo el tercer número uno consecutivo del mega exitoso álbum "Bad" de Jackson.

El video original muestra al intérprete siguiendo a una jovén, interpretada por Tatiana Thumbtzen mientras intenta conquistarla con sus movimientos de baile.

Existen dos versiones: la primera con duración de 6 minutos, que se utilizó para promoverla en los canales de videos. La segunda, duraba casi 9 minutos e incluía varias partes de coreografía que fueron omitidas, así como una aparición de la hermana del "Rey del Pop", La Toya.

Muchos artistas han hecho cover de esta rola, desde Paul Anka hasta el dúo Shakaya. E incluso aparece como parte de la banda sonora de muchas cintas musicales y programas de concursos, por ejemplo "Dancing With The Stars" o "Center Stage".

Y es fácil entender la popularidad que obtuvo, porque la canción es tan flexible que, a más de dos décadas de su estreno, se adapta a cualquier época.

Versión en vivo, en su tour History.

En ese tenor, apareció la banda sonora de la película, que se estrenó en el verano del 2009, y que está compuesta por Michael Giacchino en su mayoría, con la colaboración de Alexander Courage – quién compusó del tema original de la serie- .

Giacchino compusó 13 de los 15 temas incluidos en el disco, los cuales tienen cada uno una temática y un momento en la cinta. El compositor tiene en su haber películas como Mission: Impossible III, Ratatouille, Cloverfield, Speed Racer, la más reciente película de Pixar Up, The Incredibles, entre otros.

Se lanzó bajo el sello discográfico de Varèse Sarabande, y fue grabada por la legendaria Hollywood Studio Symphony, responsable de muchos soundtracks como Lost, Spider-man 2, We Are Marshall, entre otros.

Además, durante la escena en la que un joven James T. Kirk maneja el Corvette de su padre sin permiso, se puede escuchar el tema "Sabotage" de la banda Beastie Boys, aunque no viene  incluida en el material.

En total son 45 minutos de música de cámara ejecutada de manera excelente, la cual abraza el pasado musical de la serie original, partiéndo de los origenes hasta evolucionar en una fusión melódica que así como invita a la acción, nos transporta a otro mundo, en dónde el romance, la y la aventura son el pan de cada día.